Peter Grimes ist ein Außenseiter. Er passt nicht in die Kleinstadt an der englischen Ostküste, und er passt sich ihr nicht an. Klatsch und Hass treiben ihn in den Tod. So wie die erhabene Weite des Meeres auf die dumpfe Enge des Fischerstädtchens trifft, so prallt Peters Grimes’ unangepasste Gesinnung auf die bornierte Hysterie der Nachbarn, welche dahindämmern zwischen Fischfang und Fusel, zwischen Kirche und Kneipe.

Die vier „Sea Interludes“ entstammen der Oper „Peter Grimes“, komponiert 1944/1945, zu einer Zeit also, als der Krieg seine entscheidende Wende genommen hatte und neue Hoffnung die Menschen diesseits und jenseits der Meere erfüllte – auch jene noch in Hiroshima und Nagasaki. Die Uraufführung fand am 7. Juni 1945 im Sadler’s Wells Theatre in London mit Peter Pears in der Titelpartie statt, und in kurzer Zeit folgten mehr als 100 Aufführungen in acht Sprachen. Die gewaltigen Naturereignisse und die sozialkritische Sprengkraft der menschlichen Emotionen inspirierten Britten zu äußerst ausdrucksstarker Musik. Dabei überhöhten die instrumentalen Zwischenspiele (Interludien) zwischen den Szenen der Oper die Atmosphäre des folgenden Bildes oder setzten deutliche musikalische Kontraste. Vier der sechs Zwischenspiele fasste Britten zu einer atmosphärisch dichten Orchestersuite zusammen: „Morgendämmerung“, „Sonntagmorgen“, „Mondschein“, „Sturm“. Der Komponist selbst leitete am 13. Juni 1945 die Premiere der vier Seebilder im Rahmen des von ihm begründeten Cheltenham-Festivals.

Glitzern und Krachen

„Dawn“, eine Klangstudie weit entfernter Instrumentengruppen, verdeutlicht „den Wind, der durch die Takelage der Boote am Strand und über die Schornsteine der Häuschen des Städtchens pfeift, den Wellenschlag der See und das Knirschen des Kieses unter der Flut“ (Britten). „Sunday morning“ entrollt ein Stimmungsbild von schier impressionistischer Farbigkeit und Leuchtkraft, aus dem sich behutsam Klangvorstellungen von hohen und tiefen Glocken mit unterschiedlich langen Schwingungsdauern lösen. Der Mittelteil nimmt das Opern-Arioso „Glitzerndes Meer und glitzernder Sonnenschein“ vorweg, bevor der Morgen im Glockenklang verhallt.

Eines seiner unnachahmlichen Nachtbilder gelang Britten mit „Moonlight“. Rhythmisch und melodisch fast unbewegt, dabei von zarter harmonischer Spannung erfüllt, so kann das fahle Mondlicht klingen, wie es sich im leicht bewegten Meer und auf den feuchten Dächern der schlafenden Stadt spiegelt. Nicht größer könnte der dramaturgische Kontrast sein zum nachfolgenden „Storm“.

„Von edlem Antlitz“ sei sie, jedenfalls bedeutet das der persische Name Scheherazade. Wollen wir hoffen, dass ihre edle Erscheinung und ihr schier unerschöpflicher Geschichtenschatz Scheherazade schlussendlich das Leben gerettet haben. Das Schicksal der legendären Erzählerin, die es vermochte, eintausend und eine Nacht hindurch den Sultan durch Geschichtenerzählen bei Laune zu halten, war und ist eine attraktive Projektionsfläche nicht zuletzt für die Phantasie vieler Komponisten.

An- und aufgeregt durch sie haben sich nicht zuletzt Nikolai Rimski-Korsakow und Maurice Ravel gefühlt. Ihrer beider Scheherazade-Werke stehen heute Abend in unserem Konzertprogramm einander gegenüber.

Wobei Maurice Ravel nicht nur einmal mit der exotischen Frauengestalt geliebäugelt hat. Zunächst arbeitete er Anfang der 1890er-Jahre an einer Oper namens „Olympia“, die er dann zugunsten einer neuen Idee mit dem Titel „Shéhérazade“ wieder fallen ließ. Doch auch von der Oper „Shéhérazade“ wurde lediglich die Ouvertüre bekannt, deren Uraufführung der Komponist persönlich am 27. Mai 1899 in Paris leitete. Vielleicht war es die unentschiedene Reaktion des Publikums, welche Ravel mit Beifall und Pfiffen gleichermaßen überschüttete, die ihn auch dieses Projekt beiseitelegen ließ. Schließlich kam Ravel 1903 auf die orientalische Märchenprinzessin zurück – ohne Zusammenhang mit dem vorangegangenen Opernprojekt und dessen Ouvertüre –, um einen dreiteiligen Orchesterliedzyklus „Shéhérazade“ zu komponieren.

Auslöser diesmal waren Gedichte von Tristan Klingsor. Ravel war seit der Jahrhundertwende mit dem Dichter befreundet, der eigentlich Arthur Justin Léon Leclère (1874-1966) hieß, sich aber einen Künstlernamen zugelegt hatte, der den Helden einer Wagneroper mit dem Bösewicht einer anderen verknüpfte. Die beiden kannten sich aus dem „Apachen-Club“, einem Treffpunkt von Pariser Künstlern. An Klingsors Sammlung „Shéhérazade“ um die vielfältigen Verlockungen des Orients gefiel Ravel vor allem die Bildhaftigkeit der Sprache. Er vertonte den Text Silbe für Silbe und wusste sich mit dem Poeten einig, dass der Rhythmus ein wichtiges Kriterium sowohl der Dichtung als auch der Musik sei. Nach dieser Methode entstand eine oft rezitativisch wirkende Vertonung, wobei die Melodik sich aus der rhythmisierten Prosa Klingsors herausschält. Zugleich erhält das Wort durch die Musik eine Überhöhung, wozu nicht zuletzt Ravels üppige, doch subtile Harmonik und die raffinierte, bisweilen überwältigende Instrumentierung ihren Beitrag leisten. Hatte man die Ouvertüre noch als „unbeholfenes Plagiat der russischen Schule“ beurteilt, so bescheinigte man ihm jetzt Eindringlichkeit, Feinfühligkeit, ja Magie. Wir, das RSB, schließen uns an und verneigen uns vor dem Großmeister Maurice Ravel - knapp eine Woche vor seinem 150. Geburtstag am 7. März.

Um es vorweg zu sagen: Die Doppelmoral der Rahmenhandlung thematisiert Nikolai Rimski-Korsakow nicht: Ein Sultan wird in seiner frauenverschlingenden Mordlust ausgebremst durch die (ihr eigenes Leben rettende) Raffinesse einer betörenden orientalischen Prinzessin. Für die Verschonung Scheherazades, für eine nicht begangene Tat also, lässt sich der weise und großmütige Sultan gründlich feiern. Derselbe Sultan hatte zuvor Frauen dutzendweise in seinem Harem eingesperrt und es für selbstverständlich genommen, allnächtlich eine andere zu „beglücken“. Vielleicht hatten einige der gefangenen Frauen wegen Überlastung des Sultans oder aus anderen Gründen gelegentlich Trost in fremden Armen gesucht. Also ließ der Sultan sie rein vorbeugend, um der hypothetischen, künftigen Untreue seiner Liebessklavinnen zuvorzukommen, der Reihe nach ermorden. Scheherazade entging diesem Schicksal, indem sie den Pascha länger als eine Nacht zu fesseln vermochte – durch ihre Kunst, spannend zu erzählen. Märchen können Leben retten, so wahr sie auch sein mögen.

Segeln mit Sindbad

Den zwei Generationen nach Beethoven geborenen Russen Nikolai Rimski Korsakow bedrängte das Problem der Programmmusik wie alle Komponisten des 19. Jahrhunderts. Inzwischen hatten Berlioz und die „Neudeutschen“ um Liszt die Gattung der Sinfonischen Dichtung kreiert, hingegen Schumann und vor allem Brahms an der Reinhaltung der Sinfonie als Gattung gearbeitet. Der Kampf um den Vorrang entweder der absoluten oder der abbildenden Musik tobte in Europa. Rimski-Korsakow, glücklicherweise nicht nur territorial ziemlich weit entfernt von diesem fruchtlosen theoretischen Streit, legte mit dem Titel „Scheherazade“ für seine Sinfonische Suite op. 35 das Sujet fest, verzichtete aber auf die ursprünglich jedem einzelnen Satz zugeordneten Überschriften. Dennoch bekannte er sich weiterhin dazu, „einzelne, nicht untereinander verbundene Episoden und Bilder aus ‘Tausend und einer Nacht’“ im Sinn gehabt zu haben, „das Meer und Sindbads Schiff, die phantastische Erzählung des Prinzen Kalender, den Prinzen und die Prinzessin, das Fest in Bagdad, das an den Felsen mit dem ehernen Reiter zerschellende Schiff“. Unbeirrt arbeitete er im Sommer 1888 am Tscheremenez-See bei Luga die Ouvertüre „Russische Ostern“ und die „Scheherazade“-Suite aus. Der Komponist unterließ es, reine Tonmalerei zu betreiben, vielmehr entwarf er ein Werk allgemeinerer Aussage: die Läuterung eines hartherzigen Herrschers durch menschliche Zuwendung (auch wenn dies eine aus der Not geborene, zum Schutz des eigenen Lebens erzwungene Zuwendung war).

Geburt eines Ohrwurmes

Man meint, die beschwörende Erzählkunst der orientalischen Prinzessin Scheherazade habe den Komponisten selbst zum Erzählen beflügelt, seine orchestrale Klangphantasie geweckt. Dies mag das Geheimnis sein, warum Rimski-Korsakows „Scheherazade“ noch heute die Augen der Konzertfreunde regelmäßig zum Leuchten bringt.

Beide Porträt-Themen, Scheherazades kapriziöse Violinarabeske und das männlich-wuchtige Unisono-Motiv des Sultans wollen einem den ganzen Abend nicht mehr aus dem Kopf. Rimski-Korsakow wehrte sich gegen ihre Qualifizierung als Leitmotive im Wagnerschen Sinne, weil sie im Erzählfluss der Komposition immer neue Verwandlungen erfahren und unterschiedliche Charaktere annehmen. „Auf der Grundlage einer völlig freien Behandlung des musikalischen Materials wollte ich eine viersätzige Orchestersuite schaffen, die einerseits durch Themen und Motive innerlich geschlossen ist, andererseits gewissermaßen eine kaleidoskopische Folge von Märchenbildern orientalischen Charakters bietet ... Das Programm, dem ich dabei folgte, bestand aus einzelnen unzusammenhängenden Motiven und Bildern aus Tausendundeiner Nacht, die in allen vier Sätzen meiner Suite zu finden sind ... Den verbindenden Faden bilden kurze Vorspiele zum ersten, zweiten und vierten Satz sowie das Intermezzo im dritten Satz, die für Solovioline geschrieben sind und Scheherazade selbst darstellen, wie sie dem strengen Sultan ihre wunderbaren Geschichten erzählt.“

Ursprünglich hatte Rimski-Korsakow den vier Sätzen programmatische Titel vorangestellt: 1. „Das Meer und Sindbads Schiff“, 2. „Die Geschichte des Prinzen Kalender“, 3. „Der junge Prinz und die junge Prinzessin“, 4. „Das Fest in Bagdad – Das Meer – Das Schiff zerschellt am Magnetberg – Finale“. Er entschied jedoch, die Satztitel aus der Druckfassung der Partitur wieder zu entfernen. „Meine Abneigung gegen alles, was nach einem Programm aussehen könnte, führte mich bei der Neuausgabe dazu, alle Andeutungen auszumerzen, die in den Überschriften gelegen hätten. Bei der Komposition hatte ich solche Andeutungen eher im Auge, um die Fantasie des Hörers auf den Weg zu lenken, den meine eigene Fantasie gegangen war, und um detailliertere Ideen der individuellen Stimmung zu überlassen.“ Wenige Jahre später bildete gerade das exotische Kolorit und das Fantastisch-Freie in der Musik von Rimski-Korsakow die Brücke für das ungeheuere Interesse der Fin-de-Siècle-Metropole Paris an allem Russischen und sogar – wegen „Scheherazade“ – am Orient. Wenn doch das Motiv einer heutigen Beschäftigung mit Bagdad und dem Irak ein ähnlich freudiges sein könnte!

Steffen Georgi