Presse

Klaus Albrecht

Mit der monumentalen Achten beendeten Marek Janowski und das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin den Bruckner-Zyklus in der Philharmonie Essen. (...) Janowski blieb seiner Bruckner-Interpretation treu. Nicht als Weihrauch schwenkender Magier, sondern als souverän ausbalancierender Architekt, der mit kühlem Kopfe diesen c-Moll-Koloss in schwelgerischem Schönklang und kristalliner Durchsichtigkeit ausformte. Wenn er mit Feierlichkeit zelebriert, geschah es ohne pathetisches Nachdrücken. Aus ruhigen Tempi heraus entwickelte er die weitgezirkelte Musik, ließ sich sogar noch ein wenig mehr Zeit als der legendäre Eugen Jochum. (...) Und das traditionsreiche Rundfunk-Sinfonieorchester, das schon unter Jahrhundertdirigenten wie Abendroth und Celibidache gespielt hatte, war Janowski wieder ein idealer Partner. So verriet das Scherzo Präzision und rhythmische Wucht, der langsame Satz mit seinen glutvollen Steigerungswellen beachtliche Streicherkultur und so weich blasende Wagnertuben, als wollten sie mit Samthandschuhen die Himmelspforte aufstoßen.
Kurzum: Diese Achte geriet zum Monolithen aus einem Guss und zum würdigen Schlusspunkt, der mit Bravos bedacht wurde.

WAZ Westdeutsche Allgemeine vom 23. Februar 2010

http://www.derwesten.de/waz/

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Jan Brachmann

Macht ist, dem Wortsinn nach, das Vermögen, etwas zu tun. Zu einer Machtdemonstration geriet das Konzert des Rundfunk-Sinfonieorchesters Berlin unter der Leitung seines Chefdirigenten Marek Janowski am Dienstag in der Philharmonie. Wie kaum je ein Programm zuvor, war die Werkfolge darauf ausgerichtet, orchestrale Virtuosität vorzuführen: feine Klangzerstäubungen, die mehr Selbstkontrolle als Ausdrucksengagement verlangen; kleinteilige Verzahnungen von Instrumentengruppen, die nur mit äußerster Wachheit und strengster Disziplin gelingen.
(...)
Man hätte zunächst gar nicht vermutet, dass es hier darum ging, die spiel- und abstimmungstechnische Brillanz des RSB vorzuführen. Denn die dritte Sinfonie von Hans Werner Henze, die Paganini-Variationen von Boris Blacher und das vierte Klavierkonzert von Sergej Rachmaninow bilden schon rein inhaltlich eine sinnvolle Einheit: All diese drei Werke der Jahre 1941 bis 1951 stehen für eine bewusst "undeutsche" Moderne, die sich vom Entwicklungsstrang Wagner-Schönberg distanziert. Es ist jene Moderne, die man mit den Städten Paris, New York und Sankt Petersburg verbindet. In ihr spielt die körperliche Bewegung - inspiriert durch Ballett und Jazz - eine größere Rolle als die psychische; hier ist die Gestaltung von Zeit wichtiger als die thematische Logik der Tonhöhen; hier hat der Klang weniger Ausdrucks- als Farbwert.
Aber genau dies markiert einen neuen Entwicklungsschritt für das RSB. (...) Mit der klassischen, deutsch-österreichischen Tradition hatte das Orchester die längere Erfahrung. Und hier - bei Haydn, Schumann, Bruckner, Brahms und Strauss - hat Janowski in den vergangenen Jahren das Orchester mit großer Ausdauer und Weitsicht erzieherisch entwickelt. Doch seit Dienstag wissen wir nun alle, dass das RSB sich mit größter Sicherheit auch in einem Klangidiom bewegt, das ihm geschichtlich weniger vertraut war. Insofern sind hier dramaturgische Schlüssigkeit und orchestererzieherische Strategie geschickt zur Deckung gebracht worden.
(...) Nun wäre es naheliegend gewesen, Rachmaninows späte Paganini-Rhapsodie dazuzustellen, aber orchestrationstechnisch hat dessen viertes Klavierkonzert mit Blachers Variationen viel mehr zu tun. Hier wie dort gibt es diese schnellen Tonwiederholungen von Bläsern in einem löchrig-hektischen Satz, die abartig schwer zu bewältigen sind - und mit einer Präzision bewältigt wurden, die fast einschüchterte.
Mit dem Pianisten Boris Berezovsky trat ohnehin ein Solist auf, der keine technischen Schwierigkeiten mehr kennt. Konzentriert wandte er sich mit den Augen dem Orchester zu, während seine Hände mit sechs bis acht Anschlägen pro Sekunde über die Tasten rasten. Als würde Jean Marais in Mantel und Dreispitz mit heiterer Professionalität eine Wand erklimmen, so hat sich Berezovsky, ohne eine Miene zu verziehen, der riskanten Artistik Rachmaninows gestellt.
Man hätte sich vielleicht - auch im Orchester - manche Phrase gesanglicher gestaltet denken können. Und weitaus häufiger stand in den Noten ein Pianissimo, als dass man es auch gehört hätte. Doch andererseits kam man aus dem Staunen über den gewaltigen, kaum je harten Klavierklang, über die innere Polyphonie der Akkordführung und über die so exakt hervorzuckenden Blitzakzente in höchstem Tempo nicht mehr heraus. Das Moment der Einfühlungsverweigerung, das in Berezovskys Spiel auch zu liegen schien, umschreibt zudem treffend die Tragik des späten Rachmaninows: mit Virtuosität zu verblüffen, um die eigene Seele vor der Öffentlichkeit zu schützen.
Nachzuhören am 7. März ab 20.04 Uhr auf dem Kulturradio des RBB.

Artikel im Berliner Zeitung

Berliner Zeitung vom 18. Februar 2010

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Sybill Mahlke

Berliner Silvesteraufführungen im Radialsystem, im Konzerthaus und in der Komischen Oper.

(...)
Beethovens Neunte ist Chefsache. Kein künstlerischer Orchesterleiter lässt es sich nehmen, dem Moment des Unerhörten, das in dieser Musik zu erhalten und zu verteidigen ist, neu nachzuspüren. Beethoven steht als Liebling des Konzertpublikums obenan. Manchen ist er zugleich ein Gott, wie Max Klinger den Komponisten dargestellt hat. Der Chefdirigent aber weiß, dass sich das Werk, das seinen Hörern vertraut ist, mit jeder Lesart ändert. Davon geht Marek Janowskis spannende Interpretation mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester im Konzerthaus aus. Zum Nimbus der Chefsache hat Beethoven selbst beigetragen. Die Uraufführung 1824 findet unter der „Oberleitung Beethovens“ statt. Das heißt, dass der total ertaubte Komponist dirigierend versucht, den Spielern seine Inspiration zu vermitteln. Heutige Musiker wissen, was die scheinbar sinnlose, störende „Oberleitung“ bedeutet: Dass der schöpferische Wille des Komponisten zu realisieren sei. Das hat ein Dirigent wie Janowski längst verinnerlicht, obwohl jeder weiß, dass die authentische Vorstellung Beethovens durch Tradition überlagert ist. Aber große Interpreten lesen aus der Partitur und Überlieferungen, dass Exzeptionelles erwartet wird; die Sonderstellung.

Janowski kennt auch die Gefahren: Das Bild der jubelnden Volksmasse, das Streben nach Höherem, das vom Künstlerideal der Zeit ausgeht, verbunden mit stilistischer Unbeirrtheit. Er sucht und findet die Beethovensche Haltung, die eine willensmäßige ist, in dem Postulat „Deutlichkeit“. Keine raunende Exposition, sondern präzise, fast scharfe Einsätze der ersten Violinen, und das RSB geht mit seinem Maestro durchs Feuer, durch das vitalste Scherzo mit der Gelassenheit auspendelnder Phrasen. Der Lärm der Musik wird nicht gedämpft, weil er zu ihrer Angespanntheit gehört. Unpathetisch das fließende Adagio, vielstimmig, vielschichtig. Das Freudenthema in Feinzeichnung leitet das unaufhaltsame Finale ein, Franz-Josef Selig singt ein souveränes Rezitativ. Dem fabulösen Rundfunkchor wird kein gehauchtes Misterioso „Über Sternen“ abverlangt. Aller Maßstab ist bei Janowski rein musikalisch, eine Aufführung von glühender Farbigkeit.
(...)

Artikel im Berliner Tagesspiegel

Der Tagesspiegel vom 02.01.2010

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"Selten ist die Intonation eines Orchesters so überirdisch rein, und selten klingt ein so großer Chor so geschlossen" schrieb die Hannoversche Allgemeine über das Konzert am 14. Dezember. Und die Neue Presse berichtet: "ein stimmiger, inniger, streckenweise mitreißender Konzertabend. Äußerst sorgsam strukturiert von Marek Janowski, der zügige Tempi wählte, ohne zu hetzen, ohne aber eben auch in einen gar zu feierlichen Duktus zu verfallen. Ebenso überzeugend wirkte die Balance der Dynamik, die von sehr leisen Passagen bis zum vollen Erblühen im sechsten Satz reichte (...) Wunderbar ausgewogen der Chor".

Hannoversche Allgemeine und Neue Presse vom 16. Dezember 2009

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Jan Brachmann

(...) Am Mittwoch in der Philharmonie ist uns das Herz aufgegangen. "Uns" steht hier nicht für den Pluralis Majestatis des Autors, sondern für das gesamte Publikum, das sich von der 21-jährigen Pianistin Lise de la Salle und dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter Marek Janowski begeistern ließ. Ja, es war großartig, ein Zeichen strenger Disziplin in der Kunst und hoher Kultur der Seele, wie die Streicher des RSB oder der Soloflötist Ulf-Dieter Schaaf den Ton von der Pianistin abnahmen im Andante des zweiten Klavierkonzerts von Saint-Saëns. Diese Feinabstimmung zwischen Janowski und de la Salle erinnerte an zwei Drachenflieger, die sich beim Segeln in der Luft einen Staffelstab übergeben.
Lise de la Salle, diese intelligente Antwort Frankreichs auf Lang Lang, verdient Bewunderung nicht nur für ihre irrwitzige Technik (diese abwärtsrasenden Doppeloktaven in der Final-Tarantella!), sondern mehr und mehr für ihr sensibles Timing, das Vorbereiten von Höhepunkten und deren Ausklingen-Lassen. Endlich einmal hat hier eine Pianistin in der solistischen Einleitung des Konzerts wirklich auf den ersten Akkord des Orchesters hingespielt, statt ihn bloß über sich hereinplatzen zu lassen. Und auch durch die Registerwechsel bei der Wiederholung der Anfangsakkorde von Frédéric Chopins Nocturne cis-Moll, der Zugabe, erwies sich de la Salle als eine Interpretin, die einen weitsichtigen Begriff von Musik als Prozess hat.
Das RSB gab sich zuvor bei Claude Debussys Ballett "Jeux" zwar nicht allzu leichtfüßig, aber hoch konzentriert. Und Janowski offenbarte in der d-Moll-Symphonie von César Franck (der gestern vor 187 Jahren geboren wurde) ein geradezu cholerisches Feuer. Auf den Höhepunkten trompetengeschärft, in Celli und Bässen körnig, trat das RSB ungeheuer charakterstark auf.

Zum Artikel bei der Berliner Zeitung

Berliner Zeitung vom 11. Dezember 2009

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Peter Uehling

(...) Auch Janowski sucht nicht den interpretatorischen Umsturz. Mehrfach wurde in dieser Zeitung zitiert, dass Janowski dem RSB eine "profund erarbeitete" Symphonie fantastique von Berlioz verordnet hat. Der Eindruck des profund Erarbeiteten prägt noch mehr seine Interpretation des Deutschen Requiems, zumal die ungleich größere Affinität des Dirigenten zur Poetik Johannes Brahms' als zu der Hector Berlioz' auf der Hand liegt. Janowski markiert keine Details, die man vorher nicht gehört hätte. Aber er lässt buchstäblich keinen Klang einfach passieren. Jeder Akkord wird gewendet und neu ausgesteuert.

Das betrifft insbesondere auch das Verhältnis von Chor und Orchester: Wie wenig menschlich klingen die Stimmen im "Denn alles Fleisch, es ist wie Gras", wie bezwingend verschmelzen sie mit dem Orchester in "Wie lieblich sind deine Wohnungen", und wie charakteristisch sind die Klänge der vier sich ablösenden Stimmen im letzten "Selig" des Schlusssatzes in den Orchesterklang gesetzt. In der großen Orgelpunktfuge "Der Gerechten Seelen sind in Gottes Hand" darf das Orchester seine Kontrapunkte zu den Chorstimmen in gleichberechtigter Lautstärke spielen. Das Vertraute wird dadurch nicht verfremdet, sondern unter die Spannung einer singulären Aufmerksamkeit gesetzt. Diese Aufmerksamkeit der Musiker und Sänger für die Klangformung überträgt sich bezwingend auf die Hörer.

Dazu gehört, dass dieses Deutsche Requiem prinzipiell ein leises Stück ist. Oft genug wird dieses Leise lasch dargeboten, als Schwemmgut der Aufführungstradition. Bei Janowski hört man das Leise als innere Aktivität. Schon der einleitende polyfone Satz der geteilten Celli und Bratschen überschreitet nie die Grenze des piano, ist aber zugleich klanglich derart knorrig und wurzelig, dass es an ein akustisches Wunder grenzt. Mit dem Einsatz des Rundfunkchores hebt sich der Blick ins Weite: Die langgezogenen "Selig"-Akkorde klingen herüber wie übers Meer getragen, an dem Caspar David Friedrichs Mönch steht. Es sind kaum Töne, eher ein fernes Rauschen, ein magischer Klang.
(...)
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Berliner Zeitung vom 23. November 2009

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Norbert Hornig

Szymanowskis op. 35 wurde erst ganz allmählich im Konzertsaal heimisch, ein wirkliches Repertoirestück ist es aber bis heute nicht. Szymanowski komponierte es für seinen Freund Pavel Kochanski, der ihm bei der Ausarbeitung der Solostimme beratend zur Seite stand. Nach der Uraufführung 1922 in Warschau (Solist war Iozef Oziminski) schrieb er an Kochanski: »Der Klang ist so magisch, dass die Leute hier wie versteinert waren ..." Der große, ungemein farbige spätromantische Orchesterklang und die darüber schwelgende Sologeige machen das Grunderlebnis dieses Konzertes aus, das manchmal fast wie Filmmusik klingt. Marek Janowski entlockt dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin eine lukullische Farbenpracht, der Klangeindruck ist breitbandig und weit. Arabella Steinbacher schwebt mit warm leuchtendem Ton über dem Geschehen und spinnt große, kantable Bögen - Qualitäten, auf die es dann auch in Dvořáks schlichter f-Moll-Romanze und schließlich im Violinkonzert ankommt, namentlich im langsamen zweiten Satz. Aber auch alles, was mit Virtuosität und Brillanz, Zugriff und Temperament zu tun hat, meistert Arabella Steinbacher souverän. Die Tempi sind eher breit angelegt, das klangvolle Ausspielen von Phrasen und Melodienbögen ist prägend für diese Interpretation.

Karol Szymanowski, Violinkonzert Nr. 1
Antonin Dvořák, Violinromanze, Violinkonzert;
Arabella Steinbacher. Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Marek Janowski
(2009); Pentatone/Codaex
SACD 827949035364 (71 ')

FonoForum vom 11. November 2009

www.fonoforum.de

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Uwe Friedrich

Hier findet sich ein Schimmer von „Rosenkavalier“-Nostalgie, mit dem auch noch die selten aufgeführten Tenorlieder vergoldet werden. Piotr Beczalas betörende Stimme strömt in diesem flirrenden Dämmerlicht mühelos über dem stets transparenten Orchesterklang. Bertrand de Billy legt dem Sänger einen flauschigen Mantel aus luxuriösem Streicher- und Hörnerklang um, in den Beczala sich behaglich einkuschelt. (...) Stattdessen beschenkt er seine gebannten Zuhörer großzügig mit unauffälliger Eleganz, mühelosen Spitzentönen und perfekter Diktion, kurz: mit makellosem Gesang.
In bester Verfassung zeigte sich das RSB auch bei Ravels impressionistischer Klangfarbenzauberei in „Le tombeau de Couperin“, machte schließlich jeden einzelnen Instrumentenwechsel im „Boléro“ zum Ereignis – und feierte so den Klang gewordenen Rausch.

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Der Tagesspiegel vom 04. November 2009

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Von Felix Stephan

Barfüßig schwebte die 32jährige Moldawierin nun mit Alban Bergs betörendem Violinkonzert in die Philharmonie. Die Musik fuhr ihr geradezu in die Glieder. Kopatchinskajas Körper zuckte, ihre braunen Haare wirbelten. Sie tanzte eine spontane Choreographie der Freude und des Leids. Und das Wunder geschah: In Kopatchinskajas Gestalt und Antlitz spiegelte sich Manon Gropius - jenes tragisch früh verstorbene Mädchen, dem Alban Berg in seiner Musik ein Denkmal gesetzt hatte.
Hugh Wolff dirigierte das wohlgenährte Rundfunk-Sinfonieorchester in schlaksig verschnörkelter Manier. Eng umschlungen mit der Solistin trieben die Musiker dem lähmenden Tod entgegen.
In der zweiten Hälfte stand dann ein ganz anderes Requiem auf dem Programm: Schostakowitschs zehnte Sinfonie, eine hasserfüllte Messe zu Unehren Stalins. Hier schreit der Komponist dem Diktator Flüche ins verblichene Gesicht. Er verdammt ihn in alle Ewigkeit.
Das RSB zeigte sich mit allen russischen Wassern gewaschen. Es mutierte zum massiven, kantigen Klangkörper. Bedrohlich brodelten die Streicher in der Tiefe, kreischten markerschütternd in der Höhe. Die Holzbläser loderten lichterloh, das Blech schoss aus allen Rohren. Verschreckt suchten einige Zuhörer das Weite.
Die Musiker faszinierten gleichermaßen durch kontrollierte Brutalität und filigrane Virtuosität. Erbarmungslos ließ das Rundfunk-Sinfonieorchester den wild dahinjagenden zweiten Satz auf das blutige Erschießungskommando prallen. Und drastisch steigerten sie das tänzelnde Finale zum höllischen Inferno.

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Berliner Morgenpost vom 17. Oktober 2009

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Peter Uehling

(...) Von allen Berliner Orchestern hat das Rundfunk-Sinfonieorchester mittlerweile den individuellsten, geformtesten und wärmsten Klang. Mögen die Berliner Philharmoniker stilistisch flexibler, solistisch profilierter sein - das RSB hat nach sieben Jahren unter Marek Janowski eine Klangqualität erreicht, deren innere Lebendigkeit an die von Karajan trainierten Philharmoniker in den 1960er-Jahren erinnert. Ein Akkord kann hier so schön klingen, dass man die umgebende Musik kaum noch braucht, um bis in die Tiefen seiner körperlich-seelischen Verflechtungen hinein auf das Intensivste geflutet zu werden. Der Anfang des Konzerts am Freitag im Konzerthaus mit dem anschwellenden tiefen C von Webers "Freischütz"-Ouvertüre war das beste Beispiel. Und es war nur der Anfang.

Marek Janowski verbindet die Zucht des deutschen Kapellmeisters mit einer Sensibilität für Farben, die man Franzosen gern unterstellt - obgleich sich französische Orchester oder Dirigenten diesbezüglich nie hervorgetan haben. Wenn nach Schumann, Bruckner, Strauss nun französische Komponisten die Saison prägen, kann das nicht verwundern; deutsch-kapellmeisterlich allerdings war Janowskis Begründung für die Wahl des Themas: Dem RSB tue jetzt eine "profund erarbeitete" Symphony fantastique des Instrumentations-Revolutionärs Hector Berlioz gut.
Er hatte nicht zu viel versprochen. Jedes Sechzehntel war definiert, jede Klangmischung aufs Feinste ausgewogen, keine Streicherteilung brachte etwas durcheinander, und der Klang an sich war mal brillant, mal von einer rührenden Wärme.
(...)
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Berliner Zeitung vom 06. Oktober 2009

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Martin Wilkening

(...) Wenn Béla Bartóks Pantomimenspiel "Der wunderbare Mandarin" nicht als Bühnenstück, sondern nur konzertant geboten wird (und dies ist so gut wie immer der Fall), bleibt die Vorstellungskraft der Zuhörer unermüdlich in Beschäftigung. (...) Unmissverständlich eingefangen ist aber auch das Toben der Riesenstadt. Bartóks menschenfeindlicher Moloch trägt etwas unverkennbar Böses, Aggressives in sich, und diese grausame Kälte wurde in der rückhaltlos aufs Ganze gehenden Interpretation durch das von Marc Albrecht geleitete Rundfunk-Sinfonieorchester in aller chaotischen Schroffheit ausgespielt.

Blaubarts Komplementärstück
Eigentlich ist der "Wunderbare Mandarin" als Pantomime das Komplementärstück zu der Oper "Herzog Blaubarts Burg". Und da man beide in dieser Stadt mit drei Opernhäusern nicht auf der Bühne und nicht zusammen erleben kann, ist es umso verdienstvoller, dass das Rundfunk-Sinfonieorchester seiner grandiosen konzertanten Blaubart-Aufführung während des Musikfests jetzt ebenfalls in der Philharmonie einen konzertanten "Mandarin" folgen lässt, und zwar nicht als Orchestersuite, sondern mit der kompletten Bühnenmusik.
So schließt das Stück auch im Konzertsaal einmal nicht mit der wilden Verfolgungsfuge, in der der Mandarin das Mädchen jagt. Es folgt vielmehr dieser Demonstration einer stählernen Orchestermuskulatur noch die ganze seltsame Verklärungsszene mit der dreifachen Ermordung des Mandarins und einer Musik, der gleichsam die Luft abgedrückt wird, voll dunklem Raunen, Seufzern und schließlich dem Kurzauftritt des Chores.
In der ersten Konzerthälfte spielte das RSB als Deutsche Erstaufführung noch ein neueres Werk von Peter Eötvös. "Levitation" ist für die geschwisterlichen Klarinettisten Sabine und Wolfgang Meyer geschrieben. Es zeigt in seiner viersätzigen ausschnitthaften Folge von musikalisierten Schwebezuständen bei aller schrägen Schönheit und konstruktiven Fantasie, mit der die Stimmen des Solistendoppel ineinander verklammert sind, doch auch soviel klarinettistischen Glanz, dass sein Erfolg nicht ausbleiben dürfte. Die Harmonik wirkt durch Überblasen und Flageoletts leicht verbogen, voll subtiler Anspielungen zwischen gleichsam bodenlosen Klängen und Andeutungen von Fundamenten, über denen die Klarinetten ihre plastischen Gestalten in surrealer Schwerelosigkeit entfalten.

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Berliner Zeitung vom 26. September 2009

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Von Martin Wilkening

In der Originalsprache oder auf Deutsch? Diese Frage hat an Schärfe verloren, seitdem Übertitelungen in der Oper möglich sind, und man beides gleichzeitig haben kann, das Klangliche der Sprache, mit mehr oder weniger VerstehensMöglichkeiten, dazu ein projiziertes Textgerüst, das das Verständnis sichert. Diese Texte wirken darüber hinaus wie ein Verfremdungseffekt, auch wenn man sich inzwischen schon so daran gewöhnt hat, dass man das Illusionsaufbrechende daran gar nicht mehr bemerkt.
Allein schon aus diesem Grunde ist es spannend, dass Marek Janowski mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester das Wagnis eingeht, Bartóks Operneinakter "Herzog Blaubarts Burg" konzertant, in ungarischer Originalsprache (mit deutschen Sängern) und ohne Übertitel aufzuführen. Dafür sprechen, gerade bei dieser Oper und diesem Komponisten, alle musikalischen Gründe, dafür spricht im Übrigen auch der Respekt vor einer sogenannten kleinen Sprache, einer Sprache, ohne deren klanglich-rhythmischen Hintergrund auch Bartóks heute der ganzen Welt gehörende Musik gar nicht vorstellbar ist.

Ein Traumpaar

Auch wenn man, wie der Rezensent und der vermutlich allergrößte Teil der Zuhörer, die ganze Zeit hindurch bestenfalls "kékszakallú" versteht - was nicht etwa heißt "ich liebe dich" oder "ich sterbe", sondern "Blaubart", beziehungsweise in schlechtem Operndeutsch, damit die vier Silben voll werden, "Herzog Blaubart" - auch dann kann man nur dankbar sein für die Kompromisslosigkeit dieser Entscheidung.
Der Prolog, der das folgende Geschehen in die Ferne der Sage und des Mythos rückt, wurde sinnvollerweise doch Deutsch gesprochen, ein kurzer, im Ton genau sitzender Auftritt von Otto Sander, in den hinein die Musik mit ihrem finsteren Kreisen sich einblendet. Zum ersten Mal sieht Blaubarts junge Braut ihr neues Zuhause. Die Düsterkeit der fensterlosen Burg, das gleißende Licht wie den welkenden Dämmerschein, die durch die von der Frau geöffneten Türen eindringen, malt Bartóks Musik mit solch suggestiven Klängen, dass man das ganze dazugehörige Bühnenwesen nicht unbedingt vermisst. Und was Marek Janowski aus dem vor allem in den Bläsern fabelhaft aufgelegten RSB an Leuchtkraft und Intensität herausholt, ist begeisternd. Petra Lang und Albert Dohmen sind als Judith und Blaubart ein auch aus der Bühnenerfahrung mit diesem Stück schöpfendes Traumpaar, sie stimmlich präsent in allen Schattierungen zwischen Beklemmung, Hingabewillen, Angst und Distanziertheit, ohne dabei zu überzeichnen; er mit mächtig tiefer Stimme, gefangen in auswegloser Einsamkeit.
Es ereignet sich, vor allem bei der auswendig die ungarische Version meisternden Petra Lang, jenes Wunder, das Musik und Text völlig eins werden, eins aus dem anderen in unendlicher Reflektion und Verwobenheit hervorwächst.
Der symbolistischen Vagheit des jungen Bartók, die dennoch gigantische Klangmittel mobilisiert, stellte das Konzert im ersten Teil die sarkastische Schärfe und die in der Reduktion der Mittel kaum zu überbietende Altersweisheit der Michelangelo-Suite von Dimitri Schostakowitsch gegenüber - Musik, die ebenso wie das letzte Streichquartett oder die Bratschensonate mit wenigen Linien alles sagt. Bartóks Vorstellung einer mythisch in sich kreisenden Zeit begegnet hier dem unbestechlichen Blick auf das Vergehen der Zeit, ihr mechanisches Ticken, das ausgerechnet das letzte der elf Michelangelo-Gedichte, "Unsterblichkeit", ironisch distanzierend beschließt.
Für den Solisten sind diese Gesänge eine gnadenlose Herausforderung. Er muss sich der feinen Lineatur des ausgedünnten Tonsatzes einfügen, aber auch machtvoll auftreten, schließlich die gedankenreichen Worte rüberbringen. Der dänische Bassist Johan Reuter kam der Quadratur des Kreises ziemlich nahe. Er sang Deutsch, und zwar so, dass man fast jedes Wort verstand, er trickste nicht, auch nicht bei den Ausflügen in höhere Lagen, behauptete sich in profunder Schwärze, während im Zurücknehmen die Stimme leider nicht immer ganz leicht ansprach. Die unsentimentale Präzision, mit der Marek Janowski die Musik durch sprödere wie auch durch poetischere Passagen steuerte, entsprach genau ihrem beeindruckend lapidaren Tonfall.

Berliner Zeitung vom 09. September 2009

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Von Klaus Geitel

Sein Konzert mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester inmitten des Festival-Zyklus der Weltmusik in der Philharmonie, war ein Ereignis, obwohl es eingangs Tristesse säte.
Auf dem Programm standen die Michelangelo-Lieder, die Schostakowitsch zur Ehre des 500. Geburtstags des Meisters komponiert hat.
(...) Janowski hatte Bartóks "Herzog Blaubarts Burg" konzertant aufs Programm gesetzt und die beiden Rollen des musikalisch höchst beredten Seelendramas reich besetzt. Petra Lang sang (und spielte!) fabulös Judith, das von Neugier getriebene Opferlamm. Den Herzog verkörperte mit ruhiger, prachtvoll klingender Autorität Albert Dohmen. Was für ein Duo! Aber auch Bartóks herausfordernde Orchestersprache kam unter Janowski aufs nuancenreichste zu ihrem Recht. Jubel am Ende.

Berliner Morgenpost vom 09. September 2009

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Von Julia Spinola

Nirgendwo hat Dmitri Schostakowitsch so unverhüllt von sich selbst gesprochen wie in den selten zu hörenden, dunklen Liedern nach Sonetten von Michelangelo Buonarroti. (...)
Beim Berliner Musikfest war in der Philharmonie nun eindringlich zu erfahren, warum die unchiffrierte Offenheit, mit der Schostakowitsch die großen Themen Liebe, Schönheit, Wahrheit und Tod definiert, nie Gefahr läuft, ins Bekenntnishaft-Exhibitionistische zu kippen. Johan Reuter und das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter Marek Janowski verlegten das gesamte Geschehen in die Sphäre der Imagination und ließen die Lieder klingen wie eine Folge von inneren Monologen und Anrufungen. Reuter formte die an Mussorgskis Deklamatorik orientierte Gesangspartie mit kraftvoll melodiösem Basstimbre ebenso emphatisch wie schnörkellos, wandelte seine Stimme mit dem apodiktischen Ton des ersten Liedes, „Wahrheit“, zu einem durchdringenden Fanal, ließ sie in den beiden folgenden, „Morgen“ und „Liebe“, in zarten Nuancen aufblühen, um ihr im vorletzten Stück, dem gänzlich unverklärten, als grässlich reale Albtraumfratze imaginierten „Tod“, jede Wärme und Farbigkeit zu entziehen. Gesungen wurde, vorbildlich textverständlich, die deutsche Nachdichtung.

Bei aller Charakterisierungsfülle hielt diese Interpretation eine strenge Distanz zum Zuhörer, durch die allein die Illusion, man lausche einem eigentlich nicht zur Entäußerung bestimmten, radikal privaten Gedankengang, gewahrt werden konnte. Kein vokales Augenzwinkern, keine unangebrachte Vertraulichkeit, keine betuliche Überpointierung trübte den Ernst dieser Gesänge. Janowski ließ die ausgesparte Orchestersprache des späten Schostakowitsch, die sich nur mehr in Andeutungen, fragmentierten Gesten und beredten Pausen bewegt, einmal nicht einfach nur spröde und kantig klingen, sondern spürte den Sinn dieser prägnanten Ökonomie in der Deutung der Suite als Selbstmonolog auf: eine Musik, die nurmehr „natürlicher“ Resonanzraum ist, die sich in kleinsten Impulsen und Reaktionen bewegt, weil es kein Gegenüber mehr gibt, dem sie sich ausführlich erklären müsste.

Wirkte die programmatische Kopplung mit Béla Bartóks symbolistischem Einakter „Herzogs Blaubarts Burg“ schon auf dem Papier höchst verlockend, so erhielt sie durch diese zugespitzte Auffassung der Michelangelo-Suite ihren konkreten Sinn. „Ach mein Lied, ich verberge es“, eröffnet der Barde den meist gestrichenen gesprochenen Prolog (...) „Wo ist die Bühne: außen oder innen?“ Das Orchester antwortete darauf mit dem satten Klang der tiefen Streicher, die in archaischer Pentatonik die finstre Burg des frauenmordenden Blaubarts eindringlich erstehen lassen.

Wie Janowski das ganze Geschehen dann mit flexiblen Tempi und einer atmenden Agogik in fließende Bewegung versetzte, das machte hörbar, dass man sich dieses Gemäuer eher als einen labilen seelischen Innenraum denken muss denn als mächtige gotische Festung. Janowski hält die changierenden Stimmungen und ins Synästhetische zielenden Farben und Charaktere in permanenter, stellenweise fast irrlichternder Fluktuation. Aufgespannt zwischen den Extremen des dunklen fis-Moll zu Beginn und am Ende der Oper und dem gleißenden C-Dur-Höhepunkt mit vollem Orgelwerk beim Öffnen der fünften Türe – mit dem für Momente jeder Halt weggerissen erscheint, während sich die Musik für Momente in den puren, gestaltlosen Klang auflöst –, erklingt der ganze innere Reichtum des Blaubart-Künstlers.

Albert Dohmen interpretiert den Blaubart als wahrhaft uneinnehmbare Festung: mit einem stoischen, gefestigten, abwesenden, stellenweise vielleicht eine Spur zu defensiven und kaum je bedrohlich klingenden Ausdruck. Mit dem melancholischen Balladenton am Ende der Zweiten Türe (,‚Süß ist’s, wenn die offnen Wunden bluten“, gesungen wird das ungarische Original) verleiht er seinem Bariton große melodische Wärme. Petra Lang bohrt ihren flammenden Mezzosopran wie einen glühenden. Blick in die ins Wanken geratene Blaubart-Feste. Sie wirft sich mit wahrem Furor in die Rolle jener Judith, die gekommen ist, um im Innersten des Mannes alles auszuspähen. Sie schmeichelt ihm mit irisierender Süße, wenn sie ihre große Liebe auf den Lippen trägt, die sie ihm doch nie gewährt. Sie spitzt ihre Stimme zu einer gefährlichen Waffe, wenn sie hysterisch auf dem Öffnen der Türen beharrt. Und sie verlischt schließlich in uferloser Trauer, wenn Blaubart sie sich, ganz am Ende, als eine Erinnerung einverleibt hat und seine Türen wieder schließt.

Frankfurter Allgemeine Zeitung vom 09. September 2009

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Von Tanit Koch

Ein Gespräch mit Marek Janowski über Hustenattacken, Orchesterdisziplin und den Triangelspieler.

Der knuddelfreie Frack ist ein Segen für rastlose Dirigenten, die ihre Arbeit nur dank ausgeklügelter Flugpläne ausüben können. Marek Janowski, Chefdirigent des Berliner Rundfunk-Sinfonieorchesters und Musikdirektor des Orchestre de la Suisse Romande in Genf, trägt seinen in einer kleinen Reisetasche. Die Tasche liegt neben ihm, der Große Sendesaal im Haus des Rundfunks ist leer, nur Bühnentechniker hämmern im Hintergrund. Davon ungerührt widmet sich der Maestro geduldig den Fragen, die jenseits der Musiktheorie liegen, aber überfällig sind.

Lesen Sie das vollständige Interview auf den Internetseiten der Welt am Sonntag.

Welt am Sonntag vom 06. September 2009

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Michael Baumgartl

Ulrichshusen. Über dem Festspielwochenende stand zwar der Code 9x9, der die Reihe von neun 9. Sinfonien bei den Festspielen MV symbolisiert. Doch eigentlich geriet das Konzert am Sonntagnachmittag mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter seinem früheren Chefdirigenten Rafael Frühbeck de Burgos zu einem Fest des romantischen Klangs.

Gleich zu Beginn mit der Freischütz-Ouvertüre, dem Symbol deutscher Romantik in der Musik schlechthin, kostete der Dirigent mit dem wunderbar engagierten Orchester die vibrierenden Spannungen bei auffällig ruhiger Tempogestaltung voll aus. Sanft verlöschende Endungen in der Einleitung, füllige, weich abgerundete Akkorde zum Abschluss - da wurden Agathes Seelenängste und Samuels Schrecken in der Stimmung einer Märchenerzählung hörbar.

Doch war dies nur das Vorspiel zum f-Moll-Klarinettenkonzert mit dem Solisten Matthias Schorn, der diesen romantischen Klangzauber auf einen Höhepunkt führte. Ein Piano-Künstler war Schorn schon immer. Doch als er diese Kunst im Adagiosatz zelebrierte, besonders im nur von Hörnern begleiteten Mittelteil, da blieb die Zeit stehen und alles Irdische verging. Immer wieder steckten er und der Dirigent die Köpfe zusammen, als hätten sie miteinander zu flüstern, wie sie die Übergänge von der Klarinette zum Orchester aus einem einzigen Atem fließen lassen können. Diese Verschmelzung im Klang war von so beseelter Perfektion, dass das Publikum mit Jubel antwortete.

Dann schließlich die 9. Sinfonie "Aus der Neuen Welt" von Antonín Dvorák. Hier fesselte die Zuhörer besonders die Ruhe, die der 76-jährige Dirigent manchen Solostellen zur Entfaltung ließ, und die fordernde Art und Weise, wie er aus dieser Ruhe wieder in den drängenden Impetus mancher Orchestertutti gelangte. Nach großem Jubel, vielen Bravo-Rufen und zwei Zugaben aus den Slawischen Tänzen von Dvorák fand dieser Ausflug in die Romantik sein Ende.

Aus dem Nordkurier vom 25. Juni 2009

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Der Bonner General-Anzeiger schrieb über die beiden Konzerte des RSB in Colmar: "(...)Diesmal standen die Pianisten im Mittelpunkt, etablierte oder vielversprechende junge wie etwa Severin von Eckardstein, der Mozarts "Jeunehomme"-Konzert mit exquisitem Anschlag und perlender Geläufigkeit darbot. Orchesterpartner war das Berliner Rundfunk-Sinfonieorchester unter Marek Janowski, das in der Kirche Saint Mathieu ein fabelhaft durchsichtiges, zugleich tiefenscharfes Klangbild realisierte. Einen grandiosen Auftritt absolvierte an gleicher Stelle und mit demselben Orchester Anna Vinnitskaya. Mozarts spätes, düsteres d-Moll-Konzert spielte sie mit entwaffnenender Souveränität (...)"

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Daniel Wixforth

Mit dem Sommer ist das im Moment ja so eine Sache. Da kommt es gerade recht, wenn das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin seine Reihe „Feuerstein führt Klassik ein“ im Radialsystem unter dem Motto „Sonnenkraftwerk“ fortsetzt. Für das sonnige Gemüt ist Herbert Feuerstein zuständig, der mit einer Menge Populärwissen durchs Programm führt. Dass Prokofjews Suite „Ein Sommertag“ vor allem „eine politische Anweisung an die Jugend“ (Feuerstein) ist, scheint Markus Poschner allerdings zu bezweifeln. Sein Dirigat entlockt dem RSB innig-zarte Bewegungen und stellt die Entrücktheit in den Mittelpunkt. (...) Poschner gelingt es, bei Mendelssohns Sommernachtstraum-Ouvertüre ebenso wie bei Mussorgskis „Eine Nacht auf dem kahlen Berge“ einen verfolgbaren Mittelweg zwischen Sezieren und Exaltieren zu finden (...)
Für die Klassik-Kabarett-Reihe erhalten die Beteiligten einen Preis der Initiative „Deutschland – Land der Ideen“. (...)

Tagesspiegel vom 28. Juni 2009

http://www.tagesspiegel.de/kultur/art772,2834255

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Von Klaus Lipinski

Der eine war in seinem Bruckner-Zyklus mittlerweile bei der siebten Sinfonie angekommen, der andere war sein Solist in Mozarts Klavierkonzert KV 503.
Ein über 20 Minuten langes Bruckner-Adagio kann einiges verändern. Beim Hörer genau wie bei den Musikern. In den beiden restlichen Sätzen der Sinfonie spielte das Berliner Rundfunk-Sinfonieorchester wie energetisch aufgeladen und bis in die Haarspitzen gespannt.

Janowski dirigierte die Nowak-Fassung, mit Beckenschlag im Adagio. Viel wichtiger war aber, wie geschickt er Höhepunkte erreichte. Er fand stets spannungstragende Stimmen, brauchte keine äußerlichen aufschreienden Effekte, sondern sortierte den Klang sorgfältig und schaffte mit Farb- und Tempovariationen wirkungsvolle Stimmungen. Die perfekt abgestimmten Bläser legten sich ordentlich ins Zeug und rissen die Streicher mit.
(...)

Ruhr Nachrichten vom 19. Mai 2009

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Von Felix Stephan

Grimmiger und unerbittlicher als sonst saß Janowski im Sattel des Rundfunk-Sinfonieorchesters. Er überließ es dem Pianisten, Sympathie zu verströmen. Der Ire Barry Douglas, hierzulande eher wenig bekannt, verfügte über die imposante Konstitution eines Bodybuilders. Kraftvoll kraulte er durch das Regersche Tonmeer. Mit großem Herz und noch größerer Pranke erweckte er Regers spätromantisch triefendes Opus zu neuem Leben. Dass Douglas auch eine Ader fürs andächtig Poetische besitzt - davon konnte sich das Publikum während seiner Zugabe überzeugen. Brahms' intim verhangenes Intermezzo op.116 Nr.4 wirkte nach Max Regers schlingernden Klangmassen wie eine Wohltat.
In der zweiten Konzerthälfte entlud sich dann ein weiterer sinfonischer Kraftakt. Janowski bürstete Richard Strauss' Alpensinfonie konsequent gegen den Strich. Er verbannte jegliche Beschaulichkeit und Idylle. Er beließ die Natur im Rohzustand - schroff und brutal stellte sie sich dem Gebirgswanderer in den Weg. Rastlos drängte der Dirigent die Musiker zu Höchstleistungen. Das Orchester kämpfte mit Leib und Seele. Janowski nutzte das Werk nicht, um sich und seinen Musikern auf die Schulter zu klopfen. Glänzen war das letzte, was er wollte. Stattdessen schockierte er durch schier ungezähmtes Chaos.

Aus der Berliner Morgenpost vom 13. Juni 2009

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Jörg Königsdorf

Auf Dirigenten wirkt die Musik von Richard Strauss wie eine Droge: Die wenigsten widerstehen der Versuchung, ihre Effekte bis zum orchestralen Kontrollverlust auszureizen. Zum Glück ist Marek Janowski über das Drogenalter hinaus. Wenn der Chef des Rundfunk-Sinfonieorchesters Strauss’ Alpensinfonie in der Philharmonie dirigiert, geht es nicht um Effekte, sondern um Klarheit, Ordnung und innere Konsequenz. Leichten Schrittes geht Janowski seine Bergwanderung an und orientiert sich eng an der Aufnahme, die Richard Strauss selbst 1941 einspielte.

Schon die einleitende „Nacht“-Episode drängt zum ersten Sonnenstrahl hin – der Berg ist kein Feind, sondern das Sinnbild einer Natur, die ihren eigenen Gesetzen folgt. Selbst wenn Janowski „Auf dem Gipfel“ anlangt, hat das nichts von wilhelminischem Getöse, umso mehr von leichter Höhenluft. Die „Alpensinfonie“ klingt wie eine Antithese zur deutschen Romantik, weil Janowski sie mit einem Stück konfrontiert, das jene Sackgasse zeigt, in der die deutschen Komponisten nach Brahms, Wagner und Liszt steckten: Regers Klavierkonzert von 1910 ist ein Paradebeispiel für diese egomanische Wühlerei, die das eigene Gefühlsleben stilisiert. Barry Douglas absolviert das Akkordgedonner gelassen und entdeckt im langsamen Satz sogar Spuren nach-brahmsischer Versonnenheit.

Tagesspiegel vom 12. Juni 2009

http://www.tagesspiegel.de/kultur/art772,2820778

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Daniel Wixforth

Und weil das Minifestival von der Berliner Volksbank unterstützt wird, muss natürlich darauf hingewiesen werden, dass Kulturförderung in diesen Zeiten zwar bitter nötig, aber keinesfalls selbstverständlich ist.
Die während der frühen Esterházy-Zeit entstandenen Haydn-Sinfonien Nr. 6 und 8 geht das RSB feinsinnig an. Ohne dem Ausdrucksideal einer frühklassischen Strenge zu sehr anheimzufallen, fordert Marek Janowski doch viel Transparenz und Contenance. Das zeigt sich im 2. Satz der sechsten Sinfonie, wenn zwischen den ersten Streicherpulten kammermusikalisch-filigrane Interaktion stattfindet und auch im Allegro der Achten, wenn das Orchester die Beschwingtheit des 3/8-Takts unterschwellig immer wieder ausbremst. Annette Dasch singt „Berenice, che fai“ und „Chi vive amante“, gänsehautweich timbriert, enorm facettenreich vorgetragen. (...)

Tagesspiegel vom 23. Mai 2009

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die Frankfurter Rundschau: Die Philharmonie bebte dennoch, es herrschte Partystimmung im weiten Rund. Das lag sicher auch am ersten Teil des Konzerts, der weitaus bezwingender geriet und den Beweis erbrachte, dass Daniel Schnyder (...) ein phantastischer Arrangeur und Saxophonist ist. An der Seite des von Järvi mit rhythmischer Verve geleiteten Orchesters und der beiden begnadeten Jazzer Georg Breinschmid (hat man je einen solch soften Kontrabass gehört?) und Michael Wimberly (Drums) spielte sich Schnyder mit ausgedehnten Soli durch sein Stück, die Variationen und Paraphrasen für Orchester über Stücke von Jimi Hendrix, Horace Silver, Abdullah Ibrahim, John Coltrane und dem großen alten Duke Ellington. Unantastbarer Höhepunkt des Abends war dessen Ballade "Memoires - in a sentimental Mood". Wie Schnyder hier sein Tenorsax aufblühen ließ, das war zum Dahinschmelzen. Nein: Es war königlich. (Jürgen Otten in der Frankfurter Rundschau, am 8. Mai 2009)

In der Berliner Morgenpost schrieb Klaus Geitel: Daniel Schnyder, der schier unübertreffliche Sopran- und Tenorsaxophonist, ist in diesem Jahr "Künstler in Residenz" beim Rundfunk Sinfonieorchester. Man kann beiden nur dazu gratulieren.
Schnyder spielte, gleichzeitig Komponist in eigener Sache, unter Leitung des famos wendigen und elegant-energischen Kristjan Järvi in der Philharmonie zwei höchst originelle eigene Tonschöpfungen, für die ihn ein derart rasender Beifall bedankte, wie er wohl bislang noch keinem seiner Kollegen, von Schönberg bis Rihm, zuteil wurde. (...) Schnyder ist ein hochvirtuoser Instrumentalist. Seine Tongebung ist über jeden Zweifel erhaben. Man hört ihm zu mit Passion. Er hat überdies Michael Wimberly (Schlagzeug) und Georg Breinschmid (Bass) als Mitmusiker an seiner Seite. (...)

Raus aus den Klappsitzfallen! forderte Peter Uehling in der Berliner Zeitung: Man nennt so etwas "Crossover", aber was da eigentlich "gekreuzt" wird, das ist nicht das Ernste und das Unterhaltsame oder Europa und Afrika. Die Grenze verläuft mitten durch den Menschen. Es ist so, wie Schnyder es ausdrückt: Es gibt die Musik des Schlagens und des Tanzens im Raum, und es gibt die Musik des Singens und Hörens. Die erste geht durch den Körper hindurch und ergreift ihn, die andere stellt den Körper still, da sowohl die Instrumente als auch das Hören ihn selektiv in Anspruch nehmen.
Das Konzert konfrontierte die Hörer nun mit einem Widerspruch zwischen Körper und Raum: Wird man derartig intensiv rhythmisch angesprochen, wird der Klappsitz der Philharmonie zur Falle. Wohin mit der kinetischen Energie, die etwa gleich am Anfang Jimi Hendrix' "Purple Haze" in einen pumpt? Applaus, Jubel, ja gewiss, damit kann man das ein wenig ableiten, und in den eher ruhigen Nummern wie "Memoires - In an sentimental Mood" von Duke Ellington kann man sich wieder kontemplativ an der Verzierungskunst Schnyders am Tenor-Saxophon oder der Virtuosität des Kontrabassisten Georg Breinschmid freuen.
Schnyders Arrangements sind souverän gemacht, ohne die Musik an den Rand ihrer Belastbarkeit zu treiben, alles bleibt erkennbar. Immerhin bei Hendrix oder John Coltranes "African Blue" treibt er das Orchester zur Raserei. Das RSB versucht redlich, die philharmonische Kultur für einen Abend zu vergessen - aber wenn nach acht Takten Breinschmid seine absurd präzisen und cool treibenden Zupftöne einwirft, nimmt man den Unterschied zwischen den Kulturen deutlich wahr. (...)

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Daniel Wixforth

Es ist ein plastischer Abend, eine Metamorphose vom Klang zum Bild. Gilbert Varga und das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin entlassen den Zuhörer nach zwei Stunden irgendwo zwischen erdrückt und beglückt. Rachmaninows Tondichtung „Die Toteninsel“, inspiriert vom Gemälde Böcklins, ist im Konzerthaus Auseinandersetzung mit der Kunst: Jeder hat das Bild im Programmheft vor sich, und doch pausen Varga und das RSB nicht ab, sie zeichnen weiter. Nach subtilster Melodiebehandlung im ersten Satz wechseln sich in den Mittelsätzen flimmernde Streicherteppiche mit gewaltsam herausgearbeiteten Tutti-Explosionen ab. Zum Spiel mit Farben könnte auch Prokofjews zweites Klavierkonzert werden, wäre die Palette von Solistin Anna Vinnitskaya etwas reichhaltiger. Eine Lesart hat die Russin durchaus: Technisch perfekt, zementiert sie die Fortschrittlichkeit des 1913 entstandenen Werkes. Doch erst im Schlusssatz löst sich ihre Interpretation von einer Art Uhrwerksmechanik. Da sind Mussorgskis „Bilder einer Ausstellung“ in Ravels Orchesterfassung von Natur aus bunter. Varga treibt das RSB noch einmal zu effektvollem Klang, zum Zeichnen mit dem Holzhammer. Akustisch ist das beeindruckend (besonders im Blech!), inhaltlich nicht notwendig.

Tagesspiegel vom 20. April 2009

http://www.tagesspiegel.de

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Von Martin Wilkening

Eigentlich bilden Marek Janowski und der Pianist Radu Lupu mit ihren entgegengesetzten Musikertemperamenten ein seltsames Gespann: wachsam und antreibend der Dirigent, völlig selbstversunken der Pianist. Lupu spielt grundsätzlich vom normalen Orchesterstuhl aus. Zurückgelehnt und die Augen fast geschlossen, beschränkt sich seine körpersprachliche Kommunikation mit dem Orchester auf eine leichte Schrägneigung und ein nur vom Hören geleitetes, blickloses Wenden des mächtigen Hauptes.
Mit dem Philharmonischen Orchester Monte Carlo haben Janowski und Lupu alle Beethoven-Konzerte aufgeführt. Der Gedanke liegt nahe, dass das G-Dur-Konzert so etwas wie die Essenz dieser erprobten Zusammenarbeit vermitteln könnte: Es ist ja unter den fünf Konzerten dasjenige mit der dichtesten Vernetzung zwischen Solostimme und Orchester, der ungewöhnlichsten Dramaturgie. Und es wurde eine hinreißende Aufführung, erfüllt von der Spannung unterschiedlicher Polaritäten, aufgefangen in einer Feinheit des Aufeinanderhörens. Wer Lupu oft gehört hat, kennt das Ungewöhnliche seines Spiels, das die Gefahr des Unausgeglichenen in sich trägt. An geglückten Abenden wie diesem aber zeigt er sich als einer der großartigsten Pianisten.
Als großes Thema dieser Interpretation des 4. Klavierkonzerts entpuppte sich der allmählich Gewinn des Kantablen, der inneren Freiheit im Sich-Aussingen. Die stetig wachsende Emphase, der ernsteste Nachdruck, mit dem Lupu im ersten Satz die gesangshaften Aufschwünge vortrug, nährte sich aus einem scheinbar unerschöpflichen Energiereservoir. Bei aller unerhörten Fähigkeit zum Abtönen, etwa wenn Lupu sein Spiel in die Holzbläserfarben mischte, ergab sich hier niemals ein pauschal lyrischer Tonfall. Schon der Monolog des Anfangs artikulierte sich nicht elegisch verhaucht, sondern ganz ohne Affektion als Ausdruck konzentrierter Innerlichkeit.
Das Rundfunk-Sinfonieorchester vermochte diesen suggestiven Ton in feinster piano-Spannung abzunehmen - ein Vorgeschmack auf den wunderbar gelungenen Widerstreit zwischen dunklem Unisono-Grollen der Streicher und improvisatorisch beseelten Besänftigungsgesten des Klaviers im zweiten Satz. Im letzten Satz zog Janowski das Tempo dann mächtig an, und Lupu setzte dem mit Löwenpranken in der exzentrisch abgerissenen kurzen Kadenz noch einen drauf, aber auch hier fand sich zwischendurch noch auf ganz natürliche Weise Platz für die verträumt erfüllten Episoden, in denen der schlichte Bordun des Solocellos schon den pastoralen Ton anschlägt, der die nach der Pause gespielte 6.Sinfonie charakterisiert.

Berliner Zeitung vom 04. April 2009

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Peter Uehling

(...) Im Konzerthaus führte Sol Gabetta am Samstag sogar ein Stück auf, das kaum einer kennt, das erste Cellokonzert von Bohuslav Martinu. 1930 entstanden und bis 1955 immer wieder überarbeitet, lässt sich das Stück als neoklassizistisch einordnen und produziert auch die stilgemäßen Geschwätzigkeiten, jene fröhlich ratternde Motorik, die an Hindemith erinnert. Dennoch ist Martinus Thematik nicht ganz so beliebig wie die Hindemiths, auch der harmonische Tonfall ist weicher und frei von provokativen Absichten. Gabetta erledigte die erheblichen virtuosen Anforderungen eher obenhin, fast ein wenig desinteressiert am allerletzten Schliff und der Frage, wie das, was sie da spielt, mit dem zusammenhängt, was das begleitende Rundfunk-Sinfonieorchester beizutragen hatte. Aber in allen langsamen Passagen und eben im Mittelsatz entwickelt ihr Vortrag etwas bezwingend Sprechendes.
(...) So wie Sol Gabetta das Klischee des Cellotons aushebelt, so der junge lettische Dirigent Andris Nelsons das Klischee von Mahlers Erster Sinfonie. Was ist aus diesem großartig eigenwilligen Werk im philharmonischen Alltag geworden, wann hat man denn zuletzt die Durchbrüche, die schneidenden Trivialitäten, die ekstatischen Aufschwünge wirklich vernommen? Nelsons tanzt dem RSB seine Absichten mit riesenhafter Gestik vor, das Orchester folgt ihm zunehmend willig. Die fallenden Bläserquarten des Beginns ritzt er geradezu in das sphärische Streicher-A hinein, und derart dinghaft und körperlich bleibt die Musik auch im folgenden: Kuckucksrufe, Fanfaren, Gesellenlied, Hörnerschall und Cellokantilene liegen unverbunden nebeneinander.
Solche kunstvoll hergestellte dramaturgische Unordnung überträgt den räumlich gestaffelten Klang der Einleitung auf die Form der Musik. Aber regelrechte Gewalt übt Nelsons Interpretation ab dem Trio des Scherzos: In der Gestaltung von dessen gefälligen melodischen Kurven geht es mit einem Mal ums Ganze. Der Klang wird leibhaftig und lebendig, gerade auch im gespenstischen Trauermarsch, den Nelsons unter die Lupe eines sehr langsamen Tempos nimmt, so dass wir die Gespenster mit einer nicht geheuren Ruhe betrachten müssen. Um so ätzender der Schnitt in die viel schnellere und auch viel leichter als gewöhnlich artikulierte Tanzmusik. Und den Sturm des Finales mag er so überzeugend zu bremsen, dass das oft als unvermittelt gerügte Gesangsthema der Violinen organisch aus dem Vorangegangenen herauswächst: als ein Moment der symphonischen Inszenierung, nicht der strukturellen Verknüpfung. Großer Beifall für eine wahrhaft dramatische Interpretation.

Berliner Zeitung vom 9. März 2009

http://www.berlinonline.de/berliner-zeitung/

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Frederik Hanssen

Bevor die Klassik-Gemeinde in diesem Multijubeljahr endgültig zu Georg Friedrich Händel (250. Todestag am 14. April) und Joseph Haydn (200. Todestag am 31. Mai) weiterhetzt, haben Marek Janowski und sein Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin jetzt noch einmal Felix Mendelssohn Bartholdy hochleben lassen, mit zwei glanzvollen Konzerten nachträglich zum 200. Geburtstag (am 3. Februar). Was am Dienstag mit dem Violinkonzert, der „Italienischen“ sowie der „Ruy Blas“-Ouvertüre auf dem Papier wie ein Evergreen-Programm aussieht, entpuppt sich in der restlos ausverkauften Philharmonie als höchst spannende Angelegenheit: Denn Janowski hat ganz genau in die altbekannten Partituren geschaut und dabei eine sehr persönliche Lesart der drei Werke entwickelt.

Das Vorspiel zu Victor Hugos spanischer Komödie beispielsweise lässt er nicht als hübsche Petitesse durchgehen, sondern gibt dem heiteren Hauptthema durch scharfe Kontur und rasantes Tempo eine echte dramatische Dringlichkeit. Auch im Violinkonzert bleibt kein Detail unbeachtet. Janowski fordert vom Orchester höchste Aufmerksamkeit bis in die scheinbar unbedeutendste Nebenstimme hinein – und seine Musiker zeigen absolute Weltklasse: Hellwach und präzise entfaltet sich da ein in jedem Wortsinn aufgeklärtes Klangbild, dessen rhetorische Prägnanz immer wieder das introvertierte Spiel der Solistin Isabelle Faust in den Schatten stellt.

Auch die vierte Sinfonie erstrahlt anschließend im hellen Licht des Nordens. Der Dirigent verbannt hier bewusst alles Südlich-Sonnige, um aufzeigen zu können, wie stark auch dieses „italienische“ Stück geprägt ist von den zwei großen Konstanten in Mendelssohns Denken: dem Protestantismus und der Musik Johann Sebastian Bachs. Wie Marek Janowski im Eröffnungssatz die Trompeten als himmlische Fanfaren heraushebt, wie sorgfältig er hier die fugierte Passage und im Andante den „laufenden“ Bass als Stilmittel barocker Tonsatz-Rhetorik zeigt, wie er im langsamen Satz außerdem die strenge, in den Holzbläsern vorgestellte Melodie als choralartiges Lamento deutet, das alles lässt vor dem inneren Auge viel eher die weiß gekalkten Kirchen der norddeutschen Backsteingotik aufscheinen als blühende Zitronenhaine.

Einem ganz anderen Mendelssohn begegnen die Zuhörer dann zwei Tage später, wiederum in der Philharmonie, mit dem Oratorium „Paulus“: Weich und romantisch bleibt nun der Sound des Rundfunk-Sinfonieorchesters selbst da, wo der Komponist an Modelle der alten Musik von Händel oder Bach anknüpft. In zarten Pastellfarben und mit feinem Sinn für dramatische Effekte entwirft Marek Janowski ein großformatiges Tongemälde, so wie es Mendelssohns Zeitgenossen von der Malerschule der Nazarener gefallen hätte. Es wird ein ästhetisch dem ersten diametral entgegengesetzter, aber auf seine altmodische Weise doch ebenso erhebender Abend.

Protagonist im „Paulus“ ist der Chor. Bei der Uraufführung 1836 waren 356 Sänger beteiligt – der Rundfunkchor Berlin kommt am Donnerstag mit einem Fünftel der Besetzungsstärke aus. Die Profis sind von Johannes Prinz prächtig vorbereitet, geben den getragenen Passagen Goldglanz und dem Jubel prangende Pracht – eine phänomenale Leistung. Sunhae Im wirkt mit ihrem schwerelosen Sopran wie ein Erzengel in gleißender Silberrüstung, Detlef Roth wandelt sich ebenso klangschön wie nachvollziehbar vom Saulus zum Paulus.

Die Souveränität, mit der Janowski alle Fäden in der Hand hält, schöpfergleich das Mammutwerk zelebriert, der Musik Atem einhaucht, macht Vorfreude auf seinen Wagner-Zyklus. Ab 2010 will er alle wichtigen Musikdramen des Bayreuthers mit dem RSB aufführen, ohne szenische Zurichtungen natürlich, ganz pur in konzertanter Form. Getreu seinem Credo: Das Wesentliche ist die Musik.

Tagesspiegel vom 28. Februar 2009

http://www.tagesspiegel.de

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Martin Wilkening

(...)
Es mag viele Menschen geben, die von Felix Mendelssohn Bartholdys 4. Sinfonie, der "Italienischen", immer nur den ersten Satz gehört haben. Für kulturwellenkonditionierte Ohren dürfte es aber schon einen kleinen Schock bedeuten, im Konzert zu erleben, dass und wie der unendlich ausgebeutete Hit danach noch weitergeht. Daran ist Mendelssohn selbst aber auch nicht unschuldig. Das balladenhafte Andante und die ländliche Behaglichkeit des verschlafenen dritten Satzes wirken doch allzu unscheinbar und in sich gekehrt gegenüber dem Jubelschwung, der alles umarmend zuvor durch den Saal stürmt. Und dieser Sturm der Heiterkeit rüttelte und schüttelte auch jetzt wieder all unsere verstockten Berliner Februargemüter von Grund auf durch, als Marek Janowski und das Rundfunk-Sinfonieorchester ihn entfesselten. Beispielhaft die Klarheit, mit der die Streicher jede Phrase bis ans Ende formten, begeisternd, wie die Holzbläser ihren staccato-Wirbel vorwärts trieben. Dieser Überschwang des Virtuosen wird im Schlusssatz, dem Saltarello, noch einmal auf die Spitze getrieben, und das RSB, dem von Janowski nichts geschenkt wurde, hielt sich bravourös.
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Berliner Zeitung vom 26.Februar 2009

http://www.berlinonline.de/berliner-zeitung/

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